Die Geschichte

Gold- und Juwelenkamm, Valencia



Vintage Culver Glaswaren Mardi Gras Muster 22K Gold Jester Jeweled Trinkgläser Vintage Culver Barware Mid Century Bar

Vintage Culver-Glaswaren. Karneval-Muster. Einschließlich Culver Glassware-Geschichte und Informationen zur Mustererkennung.

Mardi Gras Muster Culver Glassware: 22k New Orleans Trinkgläser. Diese wunderschöne und seltene 60er Jahre goldene Narren-Strass-Schmuckbrille hat das flache Goldmuster mit echten Strasssteinen, das als das seltenste dieses Musters gilt.

Mardi Gras Muster Geschichte: Die erste Serie von Mardi Gras Muster Glaswaren der Culver Glass Company war ca. 1959 - 1962. Das Design bestand aus flachem Blattgold und Glasjuwelen. Es scheint, dass es nur sehr wenige davon gab, aber sie wurden in riesigen Serviersets mit 24 bis 48 Gläsern verkauft. Variationen dieses Musters sind die in Blau, Gold oder Schwarz hinterlegten Figuren.

1962 - ? Sah die zweite Ausgabe, hergestellt aus dicken, strukturierten / erhabenen, glänzenden 22 Karat Gold und Glasjuwelen. (das sind meine Favoriten)

1969 - 1983?: Diese letzte Ausgabe war die kunstvollste, mit farbigen Emailkugeln anstelle der Glasjuwelen. Es scheint, dass sich die Produktionsdaten dieser verschiedenen Versionen oder des Mardi Gras-Musters überschnitten, aber die letzte Version blieb in der Produktion bis in die frühen 80er Jahre in kleinen Serien von 4 Stück.

Es gibt einige Variationen in diesem Muster, bei denen Sie auf den Goldfiguren Blau, Gold, Schwarz oder sogar Grün sehen können. Ich muss noch feststellen, wie dies mit der Datierung korreliert, aber es ist ein Problem für mich, wenn ich Stücke sammle, um sie als Sets zu verkaufen, und es sollte etwas sein, auf das Sie achten sollten, wenn Sie sammeln und möchten, dass Ihre Stücke übereinstimmen.

Die Geschichte von Culver Glassware: Culver wurde in Brooklyn, NY, in den späten 30er Jahren von Irving Rothenberg gegründet. In den 1980er Jahren beendete Culver seine eigene Glasproduktion und begann mit dem Drucken von Glasrohlingen, die hauptsächlich in China hergestellt wurden, aber auch von amerikanischen Unternehmen wie Libbey geliefert wurden. Nach Beendigung der Glasproduktion zog das Unternehmen nach New Jersey und blieb dort bis zur Schließung in den frühen 90er Jahren.

Der geheime Prozess des Heißbrennens von 22k Gold auf Glas starb zusammen mit dem letzten bekannten Mitglied der Familie, das in das Geschäft involviert war, an diesem schicksalhaften Datum, das heute als 9/11 bekannt ist.

Zum größten Teil begann Culver erst in den späten 50er Jahren mit der Herstellung von goldverziertem Glas, und viele ihrer Stücke, die vor dieser Zeit hergestellt wurden, sind nicht signiert, unbeschriftet und oft schwer zu identifizieren.

In den frühen 60er Jahren perfektionierte Culver Glassware den (noch) geheimen Prozess des Hochhitzebrennens von 22k Gold auf Glaswaren, was dicke, strukturierte Gold- und Strass-Displays ermöglichte, die den Test der Zeit besser bewältigten.

In den späten 1950er bis 1960er Jahren gab es in den USA reichlich Reichtum, und die Zeit des "Two Martini"-Mittagessens stand kurz bevor. Der überromantisierte Glanz von Hollywood und der Glamour von Vegas schufen eine neue Ära der gehobenen Küche, sowohl unterwegs als auch zu Hause.

Culver sowie einige andere Glasdesign-Designer wie Georges Briard (der übrigens keine Person, sondern ein Firmenname ist) schufen königlich verzierte "Barock"

Mit der Veröffentlichung des Valencia-Musters explodierte die Popularität und bald galt Culver als DAS Hochzeitsgeschenk des "Aufstrebenden" und wurde in den besten Kaufhäusern erhältlich. Der Prozess des Hochhitzebrennens von 22k Gold auf das Glas für die Beständigkeit wurde von der Familie und den Mitarbeitern in der Nähe der Weste gehalten.

In den 1970er Jahren, als versunkene Wohnzimmer und Shag-Teppich König waren, führte die Nachfrage nach opulentem Cocktailservice zur Nachfrage nach ebenso opulenten Bargeschirr-Sets. Martinis zu Hause und bei der Arbeit waren an der Tagesordnung. sogar erwartet, und ein weniger dokumentiertes Phänomen in Mid Century und frühen 70er Jahren Design von "Gothic Revival" und "Old World" verschwenderisches Styling wurde gleichermaßen von den schlanken, Mid Century Modern / futuristischen Atomic Age-Stilen angenommen, die häufiger mit der Zeit in Verbindung gebracht werden.

Identifizieren von Culver-Glaswaren und -mustern: Die Fakten zur Identifizierung von Culver-Glas nach Marke, um das Herstellungsdatum anzugeben, sind im Internet sehr ungenau. Die Stücke wurden von den 30er bis Ende der 70er Jahre in Laufschrift signiert, aber nicht alle und oft nur ein Schlüsselstück, wenn sie in einem riesigen Set verkauft wurden (die meisten der heute am häufigsten gesammelten Sets wurden ursprünglich in großen Sets verkauft).

In den 80er Jahren wurden Blockschriftzüge üblich, aber ich habe auch Stücke aus den 80er Jahren mit der alten Scroll-Signatur gesehen. Ich habe auch die scrollende Signatur mit INC am Ende gesendet. Ein genauerer Indikator ist das Hinzufügen von INC zum Marken-Schriftzug (sei es Block oder Skript), der nur auf 80er bis 90er-Stücken zu finden ist. Papieretiketten kamen auch Mitte bis Ende der 80er ins Spiel, also ist es ein ziemlicher Mist, wenn es um Signaturen geht, wenn Sie mich fragen.

Signierte oder unsignierte Culver-Glaswaren: Obwohl einige Sammler ihre signierten Glaswaren bevorzugen. Es scheint nicht, dass die Culver-Signatur auf einem Stück seinen Wert oder seine Sammlerfähigkeit in irgendeiner Weise erhöht. Tatsächlich sind die meisten Culver-Glaswaren mit Mard Gras-Muster und andere der seltensten und sammelwürdigsten Stücke nicht signiert, da sie am häufigsten in riesigen Sammlungen verkauft wurden, darunter Martini Pitcher und Ice Bucket, wobei nur diese beiden Schlüsselstücke signiert wurden. (verdammt schwer, diese zu finden, schnapp sie dir, wenn du eine siehst)

Dating Culver Glassware: Als Randnotiz halte ich das Datum, an dem ein Muster ins Spiel kam, für wichtiger als den Zeitpunkt, an dem der Artikel tatsächlich erstellt wurde. Muster wie Cranberry Scroll oder Emerald Scroll wurden ursprünglich in den 1960er Jahren entworfen und betrachte sie daher als Mid Century Glas aus den 1960er Jahren, egal ob sie in den 1960er oder 1980er Jahren gedruckt wurden.

Der einzige offensichtliche Unterschied zwischen dem gleichen Muster, das in den 60er oder 80er Jahren hergestellt wurde, besteht darin, dass ein Muster, das ursprünglich von Culver Glass auf Glas gedruckt wurde, in den späten 80er Jahren gerollt wurde, als Culver mit der Verwendung vorgefertigter Rohlinge begann. Viele der von Libbey Glass hergestellten Rohlinge sind nicht von der gleichen Qualität und es fällt sofort auf den ersten Blick auf. Die Libbey Glass-Stücke sind alle am Boden des Glases mit dem gut erkennbaren Libbey L gestempelt. Unabhängig davon sind die Libbey-Stücke sehr selten und sehr selten, was sie bei Sammler-Puristen sehr begehrt macht.


Steine ​​auf einer Schmuckmesse - Foto von Stefano Tinti - Shutterstock.com

Ein Goldladen auf der Ponte Vecchio in Florenz - Foto von Brendan Howard - Shutterstock.com

Goldherstellung und Edelsteinfassung

Handwerkliche Kreationen in Gold - Foto von claudio zaccherini - Shutterstock.com

Sonderbriefmarke aus dem Jahr 2000 - Jubiläum des italienischen Schmuckhauses - Foto von Neftali - Shutterstock.com

OroArezzo Messe und Expo

Auswahl an Perlen und anderen Designs

Italienische Goldschmiede ist Made in Italy vom Feinsten. Eine Alchemie aus Vergangenheit und Gegenwart, es ist nur eine Darstellung der italienischen Liebe zur Schönheit und des handwerklichen Know-hows, das auf die Jahrhunderte zurückgeht. Kein Wunder, dass Italien weltweit führend in der Schmuck- und Goldverarbeitung ist.

Diese Nische des italienischen Luxus gedeiht in einigen „Goldvierteln“ auf der ganzen Halbinsel: Allen voran Valenza, einer der international herausragenden Namen. Nicht weit von den norditalienischen Großstädten (d. h. Genua, Mailand und Turin) entfernt befindet sich das Valencia Kreis umfasst acht zusammenhängende Gemeinden, in denen eine große Auswahl an Schmuck und Gold hergestellt und verkauft wird. Valenza selbst – auch eine interessante Stadt für die Mailänder Expo 2015 – wird seine Museo del Gioiello oder Schmuckmuseum im Jahr 2015.

Valenza, eine kleine Stadt in der Region Piemont, verfügt über die meisten handwerklichen Gold- und Schmuckgeschäfte des Landes sowie über eine solide hochwertige Handwerkstradition und einen bedeutenden Fortschritt in Bezug auf technische, stilistische und materielle Innovationen. Das hohe Designniveau vor Ort, die leidenschaftliche Produktion, eine weltweit bekannte Messe und Expo, Bildungsakademien und Studieninstitute, die in der Umgebung und in der Tradition verwurzelt sind, machen Valenza zu einem privilegierten Ziel für Touristen, Neugierige und Apasionados, die diesen besonderen und besonderen Faden des Made in Italy suchen.

Natürlich ist die Goldschmiedekunst überall ein wichtiger Beruf Bel Paese jede region hat ihre eigenen merkmale und spezialisierungen, wobei die unternehmen oft familiengeführt sind.

Ein anderer Stadtteil, der Valenza ähnelt, ist Vicenza mit seinen Silber- und Goldschmieden (wie bei fast allen Juwelieren Italiens auch Sonderanfertigungen) und edlen Juwelen, Vergoldungen, Porzellan, Wohnkultur, Radierungen und Skulpturen. Dreißig Prozent der Exporte der Region Vicenza kommen in Russland, der Türkei und den Vereinigten Arabischen Emiraten an. Damals lieferte Arezzo, das für seine langjährige Bedeutung in der Goldschmiedekunst und für seine Schulen und Forschungszentren bekannt ist, seine Stücke historisch an die größten Juweliere von Florenz.
Die toskanische Stadt beherbergt die jährliche Messe und Ausstellung von "Oro Arezzo,", an der Tausende von Betreibern aus Italien und dem Ausland teilnehmen. Nicht auszuzählen ist Neapel, mit a 2.000 Jahre alter Stadtteil vom antiken Neapolis bis zum Torre del Greco.

Weitere Branchenmesse-Events sind Vicenza Oro und Orogemma in Arezzo. Zu den bekanntesten Schmuck- und Goldlabels Italiens zählen inzwischen Damiani, Roberto Coin und Miluna (ebenfalls Sponsor von Miss Italia 1997).


Schmuckkästchen

Was gibt es Schöneres als eine mit Samt ausgekleidete Schachtel voller glitzernder Kugeln? Von denen, die eine Melodie spielen, bis hin zum ikonischen Blau von Tiffanys Lederversion ist eine Schmuckschatulle eines der wenigen dekorativen Objekte, die fast alle Frauen gemeinsam haben.

Die Schmuckschatulle entstand höchstwahrscheinlich, sobald es Juwelen gab, die man hineinlegen konnte. Aber greifen wir die Geschichte im Mittelalter auf. Vor Tresoren und Schließfächern (oder sogar Türschlössern) war die Sicherheit des Hauses von größter Bedeutung, und Eisen war damals das diebstahlsicherste Material zum Schutz von Wertsachen. Leider war es nicht die praktischste Option, wenn Sie umziehen mussten. Da die Tragbarkeit für den mittelalterlichen Lebensstil unerlässlich war, waren die meisten Aufbewahrungsboxen aus Holz, mit Leder überzogen und für ein wenig zusätzliche Sicherheit mit Eisen gebunden.

Während dieser Zeit schenkte ein Bräutigam seiner Verlobten oft ein Schmuckkästchen voller Juwelen (oder vielleicht leer mit Versprechungen von kommenden Edelsteinen). Um die Pointe der Schachtel zu betonen, kann das Leder mit entsprechenden Inschriften und Balzszenen geprägt werden. Eine beliebte Wahl war ein Zitat aus den Geschichten von Chrétien de Troyes, dem Dichter des 12. Jahrhunderts: „Frau, du trägst den Schlüssel / und hast den Sarg, in dem mein Glück / eingeschlossen ist.“

Ein angehender Bräutigam könnte Schachteln mit leeren Wappen kaufen, die nach dem Kauf mit seinen eigenen handbemalt werden könnten.

Der Brauch, einer Dame bei ihrer Verlobung ein Schmuckkästchen zu überreichen, setzte sich bis in die Renaissance fort. In Florenz ging der Trend zu einer rechteckigen Schachtel mit Moschusduft, die mit Jagdszenen aus Blattgold verziert war. Ein verwundeter Hirsch symbolisierte fleischliche Leidenschaft, also war es ein Geschenk mit einem kleinen Extra vroom-vroom.

Illustration von Alice Pattulo (mit freundlicher Genehmigung von Chronicle Books)

Renaissance-Frauen warteten nicht unbedingt darauf, dass ein Mann den Schmuck (oder die Schachtel!) zur Verfügung stellte. Viele Frauen hatten Kisten, die in ihrem Schlafzimmer neben einem kleinen Spiegel an der Wand hingen. Ein Fuß hoch, würde es eine kleinere Schachtel für Juwelen sowie andere Dinge enthalten, die für eine Damentoilette notwendig sind: Make-up, Puder, Schwämme und Nadeln.

Im 18. Jahrhundert war größer besser. Als Hochzeitsgeschenk überreichte Louis XVI Marie-Antoinette ein Schmuckkästchen in der Größe eines kleinen Tisches.

Aus Tulpenholz gefertigt, wurde es auf zart geschwungenen Cabriole-Beinen balanciert, mit floralen Porzellanplaketten verziert und mit Blumen handbemalt. Aber selbst eine tischgroße Schmuckschatulle reichte nicht aus, um die Juwelen der zukünftigen Königin von Frankreich aufzunehmen. Traditionell schenkte die französische Königsfamilie der neuen Braut alle Juwelen vergangener Königinnen – wie ein Paar Diamantarmbänder, die so viel kosten wie ein Pariser Herrenhaus. Um die Schätze unterzubringen, bestellte Marie-Antoinette ein riesiges „Diamantkabinett“. 2,50 Meter hoch und 1,80 Meter breit, mit Perlmutt, meergrünem Marmor und vergoldeten Details glänzte der Schrank von außen genauso wie die Juwelen im Inneren.

Marie-Antoinette hatte ihr Kabinett, und mexikanische Frauen hatten ihre Secretas. Diese niedrigen, quadratischen Schachteln auf runden Brötchenfüßen wurden mit Schildkrötenpanzer, Knochen und Spiegeln verziert, die in geometrischen Mustern eingelegt sind. Obwohl sie schön genug waren, um ausgestellt zu werden, wurden sie oft unter Betten verstaut oder in geheimen Fächern zum Schutz vor Diebstahl versteckt.

Und nicht nur die Damen, die für ihre Kugeln eine aufwendige Aufbewahrung hatten, auch junge Herren wurden von einem kleinen Funkeln geblendet. Nach einem Aufenthalt in Europa, um seiner Ausbildung ein wenig kontinentalen Glanz zu verleihen, gab der schottische Herzog von Atholl eine kleine Kiste in Form des römischen Tempels Septimius in Auftrag. Die Box war so konstruiert, dass sie sich zur Hälfte aufspalten konnte, um winzige Tabletts freizugeben, und beherbergte die Münz- und Medaillensammlung des Herzogs. Seine Lieblingsbeschäftigung nach dem Abendessen bestand darin, die Kollektion vorzuführen, die die Box Teil der Show war. Mit seiner kunstvollen Schmuckschatulle entnahm der Herzog eine Seite aus dem Geschlecht des schillerndsten aller Könige, des französischen Louis. Louis XV hatte eine Schmuckschatulle, die groß genug war, um als Schrank mit blauen Samtschubladen bezeichnet zu werden, um eine numismatische Sammlung aufzubewahren, die die großen Ereignisse seiner Herrschaft feierte. Sein Enkel, Louis XVI, hatte eine erstaunliche Mahagoni-Version mit Medaillon-Dekor, die in Größe und Dekoration mit der seiner Frau Marie-Antoinette konkurrierte.

Jedes Medaillon bestand aus Wachs, Federn und Flügeln, die so angeordnet waren, dass sie wie Vögel, Schmetterlinge und Pflanzen aussahen. 1796 fügte eine Erfindung des Schweizer Uhrmachers Antoine Favre den Schmuckkästchen eine weitere Dimension hinzu. Favre hatte bereits einen gestimmten Stahlkamm entwickelt, der zuvor sperrige Spieluhren tragbar und im Taschenformat machte. Es wurde im neunzehnten Jahrhundert in Schmuckkästchen eingebaut. Um Käufer mit Geld zum Ausgeben weiter anzulocken, wurden mechanische Figuren – wie eine Pirouettenballerina oder ein singender Vogel – hinzugefügt, die sich beim Öffnen des Deckels der Schachtel bewegen konnten.

Der Verkauf von Schmuckkästchen, sowohl musikalisch als auch stumm, ging während des Ersten Weltkriegs zurück, als Prunk verpönt war. Dann, in den 1920er Jahren, machte Coco Chanel Modeschmuck in Mode, und ein goldenes Zeitalter des erschwinglichen Schmucks begann. Eine Schmuckgarderobe war für jede Frau greifbar und ist es bis heute geblieben.

Wenn Diamanten (echt oder falsch) die beste Freundin eines Mädchens sind, braucht sie dann keinen Platz, um sie aufzubewahren?

(Nachdruck von Elemente eines Hauses von Amy Azzarito mit Genehmigung von Chronicle Books, 2020)

Oben: Eine mit Samt ausgekleidete Schmuckschatulle, über die die Autorin Amy Azzarito in ihrem neuen Buch spricht Elements of a Home: Kuriose Geschichten hinter alltäglichen Haushaltsgegenständen, vom Kissen bis zur Gabel (Chronikbücher, 19,95 $). Bild über: picspree.com.

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Wie wird ein Kasavu-Sari hergestellt und wie lange dauert der Prozess?

Die Produktionszeit hängt ganz von der Anzahl ab. Ein schlichter Sari mit nur einer Bordüre und einem Streifen am Endstück dauert drei bis fünf Tage. Aber wenn es Motive enthält, braucht es viel mehr. Bei sehr aufwendigen Motiven (wie bei einem Hochzeits-Sari) kann es bis zu einem Monat dauern, da alles per Hand gewebt wird. Dementsprechend variiert auch der Preis. Wenn Sie bei einem Cluster kaufen, können Sie einen einfachen Baumwoll-Sari für 3.000 Rupien bekommen (was meiner Meinung nach sehr unterpreist ist), aber mit dem Zari kann es bis zu eineinhalb Lakh Rupien gehen – je nachdem, wie viel Gold und Arbeit ist darin geflossen.

Ein Weber arbeitet am Webstuhl

Das Garn muss traditionell von Hand gesponnen worden sein, aber heutzutage wird industriell hergestelltes Garn verwendet (handgesponnen ist sowohl teuer als auch schwierig in der Massenproduktion). Sie haben dieses Garn einem langen Vorwebprozess unterzogen, und besonders bei Chendamangalam ist es dieser Prozess, der ihnen das GI-Etikett eingebracht hat. Sobald sie das Garn bekommen, wird es sieben oder acht Tage in Wasser eingeweicht und während des Einweichens jeden Tag aufgestempelt (die Handwerker tun dies mit den Füßen), um den Schmutz und die Stärke herauszubekommen und sicherzustellen, dass es vollständig weich ist.

Nach einer Woche wird das Garn herausgenommen und ein Teil davon gefärbt (falls erforderlich). Dann machen sie die Kette und dehnen das Garn. Aber nach der Tradition muss dieses Dehnen zwischen vier und sieben Uhr morgens durchgeführt werden – die Temperatur und Atmosphäre während dieser Stunden wurde für diesen Prozess als geeignet erachtet. Technisch muss das Garn in einem offenen Bereich gestreckt werden, aber heutzutage ist es schwierig, einen solchen Platz zu finden.

Bevor die Kette auf den Webstuhl gelegt wird, stärken die Handwerker sie morgens erneut und lassen sie trocknen. Dann stärken sie es noch einmal und bürsten mit einem Kamm aus Kokosfasern. Es wird bis 7.00 Uhr getrocknet und dann auf den Webstuhl gelegt. Dieses gestreckte Garn ist sauber und saugfähig, und die Stärke wird hinzugefügt, damit es auf dem Webstuhl nicht bricht. Darüber hinaus gibt es wirklich keinen Nachwebprozess. Sie nehmen es einfach vom Webstuhl und stellen es ins Regal.


Gold- und Juwelenkamm, Valencia - Geschichte


Der Begriff "Barbar" definiert lose eine breite Palette von Völkern und Kunststilen, die existierten
neben den „zivilisierten“ Kulturen des Mittelmeerraums, Chinas und des Nahen Ostens. Barbaras ist griechisch für "Fremd", bedeutet aber wörtlich "stammeln", nach dem fremden Klang anderer Sprachen als dem Griechischen. Da barbarische Kulturen im Grunde nicht gebildet waren, kennen wir sie hauptsächlich durch die reiche materielle Kultur und Kunst, die sie hervorbrachten.

Die Beeinflussung und der Austausch von Ideen und Kunststilen zwischen "barbaren" und "zivilisierten" Kulturen war ein kontinuierlicher Prozess. Die Griechen und Etrusker standen in Kontakt mit drei Hauptgruppen von "Barbaren" - den Kelten, Skythen und Thrakern. Modernes Wissen über diese Kulturen stammt größtenteils aus archäologischen Untersuchungen, obwohl eine literarische Quelle – Herodot, der griechische Geograph und Historiker in der Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. – die skythische Kultur anschaulich beschreibt. Das riesige Römische Reich beschäftigte sich mit verschiedenen Gruppen von "Barbaren", die die oben genannten ersetzten - die späteren keltischen Bevölkerungen, die Sarmaten und Gruppen germanischsprachiger Völker, die aus dem Norden nach Südrussland und Osteuropa eingewandert waren. Im späten vierten Jahrhundert n. Chr. kamen hunnische Stämme aus Innerasien, die "ultimativen Barbaren", in Südrussland an. Dies zwang die germanische und sarmatische Bevölkerung nach Westen und leitete den als Völkerwanderungszeit bekannten historischen Prozess ein, der das Römische Reich in das mittelalterliche Europa verwandelte.

Die "Keltoi" bei den Griechen bzw Osten bis zum Balkan und Kleinasien. Die erste Manifestation der keltischen Kunst zeigt sich auf den Gegenständen, die in mehr als tausend Gräbern gefunden wurden, die in Halstatt, einer Salzbergbausiedlung in den Alpen, in der Nähe von Salzburg in Österreich, ausgegraben wurden. In dieser bronzezeitlichen Phase, die im späten zweiten Jahrtausend begann und bis Mitte des 6. Es entstand vermutlich unter fürstlicher Schirmherrschaft und ist überwiegend geometrisch und gegenstandslos. Die zweite Phase, die Eisenzeit, dauerte von etwa 500 v. Frühe La-Tene-Stile leiten sich von klassischen dekorativen und pflanzlichen Motiven wie Palmetten und Schriftrollen ab. aber diese integrieren Tierfiguren und menschliche Köpfe in ihre krummlinige Struktur. Je nach Region entwickelten sich diese Stile unterschiedlich, wobei die gegenständlichen Elemente oft kryptischer und abstrakter wurden und die durchgehenden geometrischen Designs fließender, oft unterlegt von komplexen, kompassbasierten Mustern. Einige Stilvarianten waren völlig linear, auf ebenen Flächen eingraviert, während andere eher plastisch und naturalistisch waren. Die Künstler arbeiteten immer noch hauptsächlich in Metall, bevorzugten Gold, Kupferlegierungen und Eisen, manchmal fügten sie Einlagen aus Korallen, Bernstein oder Email hinzu. Persönlicher Schmuck für Damen und Herren, Waffen, Rüstungen und Pferdegeschirr wurden ebenso aufwendig verziert wie Alltagsgegenstände wie Spiegel und Gefäßbeschläge. Torques oder Halsringe waren in vielen keltischen Gesellschaften Statussymbole, die zusammen mit langen Haaren, Bärten und Hosen in griechischen und römischen Darstellungen "barbarisch" bedeuteten. Keltische Künstler arbeiteten auch in Holz und Stein und schufen große gegenständliche Skulpturen von Menschen und Tieren, von denen viele anscheinend in Kulttempeln oder als Grabmarkierungen verwendet wurden. Nach der römischen Eroberung überlebten vor allem auf den abgelegenen britischen Inseln abstrakte Varianten des keltischen Stils, die in der zweiten Hälfte des ersten Jahrtausends n. Chr. von Handwerkern mit neuem Elan ausgestattet wurden.

KLASSISCHE UND BARBARISCHE IMPULSE

Die Gebiete jenseits der griechischen Städte rund um das Schwarze Meer wurden von Thrakern im Westen und Skythen im Norden und Osten besetzt. Letztere handelte mit Weizen, Pelz. Sklaven, Gold und Bernstein aus dem Norden. Skythische Grabhügel in Südrussland waren Lagerhäuser für alltägliche griechische Keramik, die Seite an Seite mit atemberaubendem Goldschmuck, Gefäßen und Beschlägen begraben wurden, die sowohl klassische als auch barbarische Traditionen widerspiegeln. Einige Gegenstände wie Halsketten, Ohrringe und rituelle Gefäße waren in Stil und Funktion rein griechisch. Einige Objekte der zweiten Kategorie, die von griechischen Handwerkern für skythische Kunden angefertigt worden sein müssen, tragen naturalistische Bilder der Skythen selbst, die an Schlachten teilnahmen, Stuten melken und Pferde beschlagen. Diese stehen im Kontrast zu abstrakten und stilisierten Darstellungen von Tieren, die zur Verzierung von Pferdegeschirren verwendet wurden, und zu Darstellungen von Tierkämpfen, die letztlich aus altorientalischen Quellen stammen. Eine ähnliche Vermischung griechischer, persischer und barbarischer Traditionen kennzeichnet auch die in Bulgarien konzentrierten Objekte aus thrakischen Gräbern an der Westküste des Schwarzen Meeres Ressourcen. Die schiere Menge an Edelmetallen und ihre überbordende Dekoration mögen den "barbaren" Geschmack widerspiegeln, aber im Allgemeinen ist die Dekoration all dieser Luxusgüter auf höchstem Niveau.

Goldphalera mit einer Katze, die einen Hirsch angreift, Ol'gino Mound,
5. Jahrhundert v.
Museum für Archäologie der Nationalen Akademie der Wissenschaften der Ukraine, Kiew

Goldkamm zeigt eine Schlacht, Solokha Kurgan, Ukraine,
Anfang des vierten Jahrhunderts v.
Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Filzsatteldecke mit Applikation, die einen Elch darstellt, Kurgan 2, Pazyryk, Altai, Sibirien, 5. Jahrhundert v. Die Staatliche Eremitage, St. Petersburg. Die punktumschließenden Bögen an den Keulen sind ein typisches Steppenmotiv aus der iranischen Kunst

Die Steppe, das weite Grasland, das sich über Eurasien erstreckt, war in der Antike wie auch heute die Heimat nomadischer und halbnomadischer Hirtenvölker sowohl kaukasischer als auch mongolischer Abstammung. Sie standen sowohl friedlich als auch aggressiv in Kontakt mit den großen sesshaften Zivilisationen der Antike - den Assyrern und Persern, den Griechen und Römern, den Indern und Chinesen - und ihre Kunst war eine reiche Mischung ihrer eigenen kulturellen Symbole mit denen klassische Traditionen. Ein Großteil der Kunst, die sie produzierten, bestand aus kleinen, tragbaren Metallarbeiten und Holzrohren, die zu ihrem Lebensstil passten und über viele Jahrhunderte stilistisch konservativ waren. Die Hauptstämme, mit denen die westlichen Zivilisationen vertraut waren, waren die Skythen, ihre Nachfolger die Sarmaten und schließlich im frühen Mittelalter die Hunnen. Die iranischsprachigen Skythen werden um die Mitte des 7. Jahrhunderts v. Chr. erstmals in assyrischen Quellen erwähnt. Innerhalb von zwei Jahrhunderten erstreckten sich ihre Territorien von der Donau bis zum Don und nach Norden bis zur Grenze zwischen Wald und Steppe, ihre kulturelle Herrschaft erstreckte sich jedoch nach Südosten in den Kaukasus und nach Westen bis zur Dobrudscha mit einem fernöstlichen Zweig in Sibirien. Herodot beschrieb den Alltag der Skythen, die Stutenmilch tranken und ihre Toten unter massiven Erdhügeln bestatteten, begleitet von Menschen- und Tieropfern. Seine Beobachtungen wurden durch Ausgrabungen dieser Hügel oder Kurgane bestätigt, deren unterirdische Kammern nicht nur mit Opfern, sondern auch mit prächtigen goldenen Grabbeigaben gefüllt waren. Im Osten wurde im Altai-Gebirge in Sibirien eine spektakuläre Gruppe skythischer Bestattungen in Holzkammern entdeckt. Der Permafrost konservierte menschliche Körper, darunter einen vollständig tätowierten Mann, und Pferde, die noch immer ihre kunstvollen hölzernen Zügel und Kopfbedeckungen trugen. Bunte Filztextilien, wie zum Beispiel dreidimensionale ausgestopfte Schwäne, die an der Spitze eines Zeltes hängen, veranschaulichen den Reichtum des nomadischen Lebensstils, während ein geknüpfter Wollteppich, der älteste existierende, von den Fernhandelskontakten zwischen den Skythen zeugt und achämenidische Perser. Der von den Skythen entwickelte Tierstil war kraftvoll und stilisiert, indem er Tiere und Vögel mit ihren wichtigsten Attributen (Hörner, Pfoten und Schnäbel) übertrieben darstellte. Es wurde auf persönliche Statussymbole wie Gürtelschnallen, Pferdegeschirr und Waffen wie z akinakes (Kurzschwerter), Streitäxte und Bogenetuis. Die iranischen Sarmaten führten eine stilisierte Version dieses Tierornaments fort, das oft in Repousse-Goldblech ausgeführt wurde, das mit türkisfarbenen Intarsien akzentuiert wurde. Ornamente dieses Stils aus dem zweiten Jahrhundert v. Chr. bis zum zweiten Jahrhundert n. Chr. wurden in einer großen Region von Afghanistan bis zum Kaukasus und in ganz Südrussland gefunden. Graffiti aus der Römerzeit zeigen Sarmaten als berittene Reiter, die lange Speere tragen und sowohl sich selbst als auch ihre Pferde in Rüstungen gehüllt haben. Wie die Skythen waren ihre Anführer unter massiven Hügeln begraben. Jüngste Ausgrabungen in der Ukraine im Kurgankomplex "Datschi" in der Nähe von Asow haben große Mengen an Goldornamenten und mit Halbedelsteinen besetzten Gefäßen in einem polychromatischen Stil freigelegt, der die Kunst der späteren Völkerwanderungszeit beeinflusste.
Die Hunnen, die 369 n. Chr. ohne Vorwarnung am Asowschen Meer auftauchten, galten traditionell als die brutalsten und körperlich hässlichsten aller Barbaren. Sie sprachen wahrscheinlich eine proto-türkische Sprache, und obwohl ihre Herkunft im Dunkeln bleibt, steht außer Frage, dass eines ihrer Hauptartefakte - große Bronzekessel mit Schlaufengriffen - über die Steppe bis zu den nördlichen Grenzen Chinas verfolgt werden kann. Im späten vierten und frühen fünften Jahrhundert schlossen sie Allianzen mit sarmatischen und germanischen Stämmen und kämpften oft mit den Römern gegen andere Barbaren. Es gelang ihnen, der römischen Regierung große Subventionen in Gold zu entlocken, sowohl als Bezahlung für ihre Dienste als auch um sie in Schach zu halten. Nachdem ihre Machtbasis in Pannonien errichtet war, begann die Hunnenföderation unter Attila (gestorben 452 n. Ostgoten und Burgunder erlitten schwere Verluste. Aus historischen Quellen wissen wir fast mehr über sie als aus der Archäologie, da sie ihre Toten einäscherten und keine Siedlungen gründeten. Ihre prächtigsten Ornamente waren aus Goldblech gefertigt, das mit Cabochon-Granaten besetzt war. Viele davon nahmen nicht-klassische Formen an, wie Diademe, Tempelanhänger und Peitschengriffe.

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Inhalt

Goddess Pathini und God Dademunne trugen zum ersten Mal diese Schmuckdesigns. Später wurden den Mitgliedern der königlichen Familien ähnliche Schmuckstücke geschenkt, was zur Entstehung von Kandyan-Schmucksets führte. Es gibt eine Zeichnung der letzten Königin von Kandy im Jahr 1815, die Kandy-Schmuck trägt. Sie war die Frau von König Rajasinghe.

Diese Tradition ist bis zu einem gewissen Grad noch heute weit verbreitet, da adlige kandyische Familien ihren Schmuck von einer Generation an die andere weitergeben, von der Mutter an die Tochter bei Hochzeiten als Teil der Mitgift. Kandyanische Hochzeiten sind extravagante Zeremonien, bei denen der Schmuck im Mittelpunkt steht, um die kandyische Abstammung dieser Familie hervorzuheben. Diese Praxis stellte sicher, dass Sets von Kandy-Schmuck in ausgewählten Kreisen von Kandy-Familien verblieben, ohne an die Außenwelt weitergegeben zu werden. Gelegentlich entschloss sich eine Familie, ein neues Set mit modernen Designs und Metallen zu kreieren, woraufhin sie andere Familien über die Veröffentlichung des alten Sets informierten und sich gegenseitig die neueren Trends vorstellten.

Brautsets sind die wichtigsten Schmuckstücke von Kandyan. Sie sind handgefertigt und bestehen aus 26 Schmuckstücken, die die Braut von Kopf bis Taille schmücken. Das Set besteht normalerweise aus Mond und Sonne, Kopfkette, Karapati-Halskette, Ohrringen, 3 Anhängern mit Ketten, Pethi-Halskette, Agasti-Halskette, Sarri (dicke) Armreifen, Gedi-Armreifen und Hawadiya (Hüftkette). Die meisten dieser Schmuckstücke wurden aus fünf Arten von Metallen wie Gold, Silber, Kupfer, Blei, Messing hergestellt. Alle diese Artikel sind vergoldet. Die Zahl „5“ galt als glückverheißende Zahl und sollte sie fünfmal stärker machen. Diese Artikel sind mit roten und weißen indischen Steinen eingebettet, die speziell für die spektakulären Designs entworfen wurden.

Brautsets sind selten, da nur eine ausgewählte Anzahl von Familien das gesamte Set besitzt. Das sind Sammlerstücke.

Ein Schmuckset besteht aus einer Halskette, einem Kopfschmuck und drei Halsbändern.

  • Die drei Kehlen sind:
    • (Erster) Weißer Schwan zeigt Reinheit für die unverheirateten Jungfrauen,
    • (Mitte) Roter Makara-Anhänger für die verheirateten Damen.
    • (Dritten) Roter Schwan für die heimkehrende Braut.
    • 3 Schwestern Anhänger bekannt als Padakam, Glücksanhänger, aufwendiges Design für die Abendgarderobe.
    • Makara-Anhänger mit Ketten und Ohrringen, drei sind eine glückverheißende Zahl, um Glück zu bringen.
    • Agasti-Set, ein seltener Stein in Gold, der tagsüber mit Saree oder Kleidern getragen werden kann.

    Diese Steine ​​werden nur in Sri Lanka gefunden, die von Jung und Alt getragen werden, beide zeigen den Agasti-Stein in goldenen Kelchen. Ein Set besteht aus einer Agasti-Halskette, Ohrringen und zwei Armreifen.

    Kandyaner sind Menschen, die aus der Hauptstadt des Hügels Kandyan stammen und Nachkommen des Königreichs Kandyan. Their customs and traditional habits are still preserved to a great extent with families giving parents and their elders an important role to play. In many ways their lives are unaffected by the rest of the world as they continue to follow Avurudu and prehera (king's parade) in August where you can see these jewellery items being displayed.

    Kandy city stands apart from the rest of the country in many aspects. Even today the royal palace, now a Buddhist center, performs its rituals according to the royal decrees issued by the last king, Rajasinghe II of Kandy, and does not follow regulations issued by the state.

    Due to its historical importance, Kandyan jewellery is highly priced and is at the heart of Ceylonese culture representing the glorious times of the Raja (Kings).

    In 1815 when the British entered the citadel, Kandyan jewelry caught the attention of the British officials resulting in some of the sets being shipped off to the Royal family in England as gifts, later becoming popular amongst women in high society in England.

    Even today Kandyan jewellery sets are auctioned off at the best auction houses in the United Kingdom and Europe with a throatlet and necklaces being valued at £5000 to £8000 and the entire sets being sold for prices ranging from £50,000 to £200,000 depending on the design and antiquity of the sets. In Sri Lanka these sets are available on a seasonal basis for a dollar rate for outsiders.

    Some of the noble Kandyan families still living today include Ellwela, Nugawela, Nugapitiya, Ratwatta, Halangoda, Weragama, Menikdiwela, Delpitiya, Palipane,Kobbekaduwe Molamure Muttettuwegama Aluvihare, Hulangamuwa, Tenne, Galagoda, Lenawala, Mampitiya, Rambukwelle, Mediwake, Meegastenne, Amunugama, Mollagoda, Molligoda, Panebokke, Dunuwilla and Madugalle.

    There is much information about the Kandyan Kingdom and culture in the book Kandyan Kingdom, then and now by P. B. Alahakoon.


    A Trove of Medieval Art Turns Up in Texas

    A hoard of medieval artworks and illuminated manuscripts missing since they disappeared from an ancient castle town in Germany in the final weeks of World War II, appears to have surfaced in this small farm town in north-central Texas, 15 miles from the Oklahoma border.

    Evidence from interviews with art experts, lawyers and rural neighbors points to a former Army officer, Joe T. Meador, a reclusive art lover and orchid fancier who was stationed in Germany at the end of the war and who died here in 1980, as the man who carried off one of the biggest art thefts of the century.

    The artworks that disappeared in the theft were kept for centuries in the cathedral of Quedlinburg, a medieval town in Saxony-Anhalt State, now in East Germany. In 1945, shortly before the German surrender, the treasures were hidden in a mine shaft southwest of town. They disappeared a few days after American troops occupied the area, on April 18, 1945.

    One missing artwork, a sumptuously illustrated and illuminated ninth-century version of the Four Gospels in a jewel-encrusted gold and silver binding, was recovered in April by a private West German foundation. Representatives of the organization, the Cultural Foundation of the States, paid what they called a finder's fee of $3 million to a lawyer for an American seller. Part of the deal - concluded in Switzerland, where such transactions are protected by law - was that the American's name would never be revealed.

    Dietrich Kotzsche, a leading specialist in medieval decorative art at the State Museum of West Berlin, said the Quedlinburg treasures are worth ''perhaps more than a van Gogh painting.''

    In addition to the Four Gospels manuscript, the treasures include a small silver reliquary, inlaid with enamels and precious stones, with side panels of carved ivory a liturgical ivory comb a second manuscript, dated 1513 several rock crystal flasks, and gold and silver crucifixes and other gifts from the kings and emperors who ruled various German states in the 9th and 10th centuries.

    The loss of the artworks was investigated by the United States Army, but the effort was dropped in 1949, when Quedlinburg became part of East Germany.

    ''It is one of the world's greatest art thefts,'' said Florentina Mutherich, former deputy director of the Institute for Art History in Munich and co-author of a study of imperial medieval art.

    Richard M. Camber, a London medieval art expert, said yesterday that the missing artworks were ''rare beyond belief'' and that it was ''impossible to estimate their value since no such objects have ever been offered on the market.''

    A participant in the purchase of the Four Gospels said in a telephone interview that a number of the missing Quedlinburg treasures are in the vault of the First National Bank here in Whitewright, a town (population 1,760) whose most conspicuous features in the years since a shopping mall went up nearby are empty storefronts and caved-in roofs.

    The treasures, said the participant, who insisted on anonymity, have been used by the bank as collateral for a loan.

    John R. Farley, president of the First National Bank of Whitewright, said he had no comment about the matter. Details of how the Quedlinburg treasures were stolen and brought to the United States may have died with Joe Meador. Connections Reports of Efforts To Sell Manuscripts In April 1945, when the treasures disappeared, First Lieut. Joe T. Meador was assigned to the 87th Armored Field Artillery, the unit that occupied Quedlinburg and guarded the mine shaft after the treasures had been discovered there.

    A longtime neighbor of Mr. Meador, who worked in a hardware and farm equipment store that Mr. Meador and his brother Jack ran and who spoke on the condition that he not be identified, said that on occasion Mr. Meador had shown employees of the store elaborate and richly bound gold and silver manuscripts and other unusual items.

    Three years after Mr. Meador's death in 1980, his brother-in-law, Dr. Don H. Cook, a dentist who was raised in Whitewright but who practices in Mesquite, Tex., sought professional evaluation of two medieval manuscripts, one bearing the date of the more recent Quedlinburg manuscript, said John Carroll Collins, a Dallas estate appraiser who was retained by Dr. Cook.

    Decherd H. Turner, director of the Humanities Research Center, a research library at the University of Texas in Austin, said Jack Meador had at one point shown him slides of two medieval manuscripts similar to those from Quedlinburg and tried to sell them to him.

    When asked by Mr. Turner how he had acquired the manuscripts, Jack Meador replied that he had inherited them from his brother, who had 'ɿound them in the gutter'' in Germany during the war, Mr. Turner said.

    Later, John S. Torigian, a Dallas lawyer who represents Jack Meador, tried to sell the Quedlinburg manuscripts to Mr. Turner at the research center and to a Paris rare book dealer, Paul-Louis Couailhac, said Mr. Turner and Mr. Couailhac.

    Mr. Torigian is believed by manuscript experts to have been the agent who sold the Quedlinburg Gospels to Heribert Tenschert, a Bavarian art dealer who in turn sold them to the West German foundation in April in Switzerland.

    Mr. and Mrs. Cook declined to discuss the matter, and Jack Meador referred all questions to Mr. Torigian. Mr. Torigian did not return repeated telephone calls.

    Ely Maurer, assistant legal adviser for cultural property at the State Department, said those who knowingly transport stolen art across international or state borders may be in violation of the National Stolen Property Act. Interests Texas to Europe, A Student of Art Joe Tom Meador was born in 1916, the oldest of four children of Claude and Mabel Meador of Arkadelphia, Ark. When he was a year old, his family moved here and his father established a hardware and farm equipment store. In 1938, Mr. Meador received a bachelor of arts degree from North Texas State University at Denton, Tex., having majored in art.

    Mr. Meador then went to Biarritz, France, and studied art. Those who knew him well said his interest in art was inspired by his mother, who studied at the Art Institute in Chicago and in Kansas City, and who taught art at Ouachita Baptist College in Arkadelphia before her marriage. In Whitewright, she taught classes in ceramics, oil and china painting.

    Two days after the Japanese attack on Pearl Harbor, Joe Meador enlisted in the Army. As a member of the 87th Armored Field Artillery Battalion, he took part in the Normandy invasion, and fought his way across France and Germany. He was frequently a forward observer directing fire from his unit.

    On April 19, 1945, three weeks before the war's end, his unit occupied Quedlinburg. An unofficial history of the 87th Armored Field Artillery Battalion states that Lieutenant Meador was assigned to Headquarters Battery, one of three units that organized teams to search the town for weapons, radio transmitters and other contraband.

    It was 'ɺn intoxicated soldier,'' the unit history says, who accidentally discovered 'ɺ cave on the outskirts of the city'' filled with ''valuables, art treasures, precious gems and records of all sorts.'' Guarding this ''Nazi loot,'' the history states, became an ''important'' task for the 87th.

    It is not known how the treasures may have came into the hands of Lieutenant Meador or found their way to Texas.

    After Joe Meador's discharge in 1946, he taught art at a school in New London, Tex. When his father became ill, he moved back into his family's home at 407 South Bond Street here, and joined his brother Jack in running Meador Inc., the hardware and farm equipment business founded by their father.

    Meador Inc. and the town of Whitewright flourished, until a few years ago when a shopping mall opened nearby. Recollections A Reclusive Life Amid the Orchids Friends and neighbors recall that the war years had changed Joe Meador from an outgoing, friendly young man to a secretive one. ''He was a mystery,'' said the Rev. Dale Gore, the Meador family minister who was the pastor of the First Baptist Church. ''He was a loner, reclusive. He put part of his life behind him.''

    Avery Chisholm, who lived next door to the Meadors for many years, said, ''He was different, real strange.''

    Marshall Hasty, a former Chevrolet dealer who served as one of Joe Meador's pallbearers, said: ''Joe wanted to be an artist, but somehow he couldn't. He just didn't have anything in common with most people here, so he had to turn to other things.''

    One of the things he turned to was growing orchids. Mr. Meador built three greenhouses on a vacant lot behind the family residence. Within a few years, according to a local newspaper interview in 1960, he was cultivating more than 6,200 orchids representing 129 varieties.

    Merritt W. Huntington, who used to judge orchid shows with Mr. Meador, said: ''He was intellectual and witty. Joe used to say, 'Whitewright is the biggest city in Texas, but it hasn't been developed yet.' ''

    The few individuals who were invited to his home were impressed by ''the antiques, beautiful rugs and paintings,'' Mr. Gore recalled.

    On at least some occasions, Mr. Meador displayed treasures he said he had collected in Europe at the war's end, said a former neighbor who spoke on condition of anonymity. Mr. Meador displayed ancient-looking manuscripts written in gold to employees at the family store, said a former employee, who wished to remain anonymous.

    ''It was all Greek to me,'' said the former employee. ''I never did know what happened to that stuff after he died.'' The Trail Two Old Books And a Box Joe Meador died of cancer on Feb. 1, 1980, at the Whitewright Nursing Home.

    His sister, Jane Meador Cook, who served as executor of his estate, signed a statement on Sept 19, 1980, that the estate consisted of local real estate valued at $24,331 and stocks worth $81,225.57. In accordance with the will of Joe Meador, who never married, this property was distributed to Mrs. Cook and their brother Jack. A third brother, James Pat, had died in 1971. Mr. Meador's will also specified that his personal ''silver, china and crystal'' was to be divided among his nieces and a nephew. There was no mention of the Quedlinburg artworks.

    In January 1983, Mr. Collins, the Dallas estate appraiser, was asked by a Dallas lawyer to come to his office to evaluate ''two old books.'' Although in his usual appraisals he almost never encounters rare books or manuscripts, Mr. Collins had for two years studied medieval manuscripts as a graduate student at North Texas State University and was knowledgeable about the subject.

    When he arrived at the lawyer's office, Mr. Collins said after consulting his diary, ''three lawyers and two women'' gave him a large cardboard box to examine.

    ''I could immediately see that the box contained very fine and rare manuscripts in jeweled bindings,'' he said. ''I was furious at the way they were being treated, with the heavier one dumped on top of the other. In one of the relief sculptures on the cover of one manuscript, I could see that a figure's nose had been flattened. I scolded them for treating such objects as if they were last year's telephone directories.

    ''When I examined the manuscripts, according to the notes I made at the time, I thought the older was perhaps 9th or 10th century. There was elaborate filigree on the front cover and jewels. Inside were the Four Gospels. Everything was in gold - gold letters and gold portraits of the four Gospel writers. For me, handling such things was one of the fantasies of a lifetime.''

    Mr. Collins also made note of a date he discovered on the back of the more recent of the two manuscripts, which, he said, was 1513. That is the date on the still-missing Quedlinburg manuscript.

    ''They behaved very secretively,'' Mr. Collins said, 'ɺnd wouldn't allow me to take photographs or to measure the manuscripts.

    ''I asked where the manuscripts came from, and they would only say that they had been inherited. They asked how much they were worth. I told them they were probably stolen from Germany or somewhere in Europe at the end of the war, and that although they might be worth $2 million, they were worth almost nothing to them because they couldn't sell them legitimately. They just looked at me.''

    Under United States law, no one may gain legal title to stolen property.

    Mr. Collins said he was ''haunted'' by the manuscripts but heard nothing about them for three years. In March 1986, he recalled, he was summoned to a second meeting and introduced to five or six people who were said to be members of the family that inherited the manuscripts.

    ''I read them the law about stolen property,'' Mr. Collins said, 'ɺnd this time they agreed to let me have the manuscripts photographed.'' An appointment with a photographer was set up, but suddenly canceled, Mr. Collins said, and he heard no more.

    He wrote 'ɼook estate'' in his notes, and, as directed, sent his bill to Don H. Cook of Mesquite, who had given him his card. He received a check from Dr. Cook in payment.

    Meanwhile, there was a steady flow of rumors in the small world of bibliophiles that some very unusual medieval manuscripts were on the market.

    ''I wouldn't be surprised if every major dealer didn't have a nibble at them,'' said Christopher de Hamel, the manuscript specialist at Sotheby's in London. He added that no reputable dealers would have had anything to do with them once they realized the manuscripts had been stolen.

    In late 1985 or early 1986, Mr. Turner, who was then the director of the Humanities Research Center in Austin, was visited by Jack Meador and his son Jeff, who is an accountant in Austin, Mr. Turner said. They showed him slides of medieval manuscripts, which they offered to sell, he recalled.

    ''I thought I might faint,'' Mr. Turner said. ''I immediately told them these are probably the most valuable books ever to have entered the State of Texas. When I asked where they got them, the older man said his brother had found them in the gutter at the end of the war in Germany and had liberated them. They said he had died, and Mr. Meador was now the owner.''

    Mr. Turner said the Meadors arranged to have him fly to Dallas, where they said he could inspect the manuscripts and make an offer. But the day before the arranged flight, Mr. Turner said, Jeff Meador called to cancel the trip without explanation.

    When Mr. Turner described what he had seen to Mr. de Hamel, both men became convinced he had been shown slides of the Quedlinburg manuscripts. Mr. Turner said he then called Jeff Meador at his home, and was told by Mr. Meador that he and his father had sold the manuscripts and that he should speak to Mr. Torigian.

    Accordingly, Mr. Turner said, he met with Mr. Torigian and offered to raise $1 million privately so the manuscripts could be restored to their rightful place.

    ''Torigian made light of my offer,'' Mr. Turner said. Availability The Fate Of the Works Rumors about the availability of the manuscripts quickened in 1988. At the center of the talk was Hans P. Kraus, then the dean of rare book and manuscript dealers in New York, who had arranged the sale of a Romanesque manuscript called ''The Gospels of Henry the Lion'' to a West German consortium for $11.7 million at Sotheby's in London in 1983.

    He began to spread the word that ''something extraordinary'' would soon be available, said a museum curator who insisted on anonymity.

    'ɿrom the way he described it,'' the curator said, ''I now know he was talking about the Quedlinburg Gospels.'' Mr. Kraus died in November 1988. Thomas Kren, curator of manuscripts at the J. Paul Getty Museum in Mailibu, Calif., said that earlier this year he had been approached by a dealer to buy a medieval manuscript but that, as soon as he realized it was from the Quedlinburg hoard, he broke off the discussion.

    Mr. Couailhac, the Paris book dealer, who spoke through his lawyer, said he had been approached by Mr. Torigian and had agreed to try to sell the older of the two manuscripts for $9 million.

    Mr. Couailhac said he had been angered when he learned that Mr. Torigian had suddenly sold the manuscript to the West German foundation for $3 million through another dealer. He said he was considering suing Mr. Torigian.

    West German cultural officials are hopeful of recovering the remaining Quedlinburg artworks.

    ''When all the treasures are finally returned,'' said Klaus C. Maurice, secretary general of the Cultural Foundation of the States in West Germany, which negotiated the return of the Quedlinburg Gospels in April, ''we must view them not only as a sign of our ancient past, but also as a reminder of what happens when a state goes out of control, as we did in the Nazi period, and suffers invasion.''


    Delaware

    Delawares were developed in 1940, in Delaware, by George Ellis. The were originally known as “Indian Rivers.” The breed originated from crosses of Barred Plymouth Rock roosters and New Hampshire hens. Although originally intended as a meat bird, Delawares make an excellent dual purpose bird. They are known to have a calm and friendly disposition, and lay jumbo brown eggs – about 4 per week in ideal conditions. Plus, let’s not forget to mention their beautiful plumage!


    Ancient Greeks were sometimes buried on wooden or bronze beds. [1]

    A number of early Anglo-Saxon bed burials, almost all dating to the 7th century, have been found in England, predominantly in the southern counties of Cambridgeshire, Suffolk and Wiltshire, but single examples have also been found in Derbyshire and North Yorkshire. The beds used in these burials were made of wood, and although none have been fully preserved, their presence can be inferred from the presence of iron fixtures and fittings, such as nails, cleats, grommets, brackets, headboard mounts and railings, that outline the rectangular shape of the bed in the grave. [2] [3] [4] However, in some cases it is not clear whether the iron fixtures found in a grave come from a bed or a coffin.

    The majority of the Anglo-Saxon bed burials are for young women, and many of the burials include items of jewellery and other grave goods that indicate that the dead person must have been wealthy and of high status during life. The high quality of the gold jewellery found in the bed burial at Loftus in Yorkshire suggests that the occupant of the grave may have been a princess. [5] On the other hand, some of the young women buried on their beds have pectoral crosses or other Christian emblems buried with them (Ixworth, [6] Roundway Down, Swallowcliffe Down, Trumpington), which has suggested the possibility that they may have been abbesses, who in the early Anglo-Saxon period were recruited from noble families. [7]

    In addition to laying the deceased on a bed, some of the bed burials exhibit other features that mark them out as special, and relate them to ship burials, such as the bed being placed in a chamber (Coddenham, Swallowcliffe Down), or a barrow being raised above the grave (Lapwing Hill, Swallowcliffe Down). [8] In at least two sites (Loftus and Trumpington), a grubenhaus (sunken floored building) has been excavated close to the bed burial, and it is possible that the deceased was laid out in the grubenhaus before burial so that mourners could pay their respects to her. [3] [9]

    The complex and elaborate funeral practices that must have been associated with a bed burial have been well described by archaeologist Howard Williams:

    The artefacts, body and grave would have interacted to create a complex sequences of practices and performances in the funeral. We can imagine the digging of the grave, perhaps the lining of the grave with timber shorings, and perhaps a temporary shelter over the grave in the hours or days until the body is ready for burial. We then have the lowering of a bed into the grave, followed by the clothed body together with a set of discrete deposits. Each would have required persons approaching the grave and passing them down to those in the grave itself with the body. Finally, after the funeral had approached completion, the grave would have been back-filled and the mound raised. [2]

    Interring the deceased on a bed suggests that sleep was seen as a metaphor for death. [2] Furthermore, the Old English word leger (modern English lair), literally meaning a "place where one lies", was used to refer to both beds and graves in Old English literature, which emphasizes the symbolic equivalence of the bed and the grave. [10]

    List of Anglo-Saxon bed burials Edit

    About a dozen Anglo-Saxon bed burials, as well as several possible bed burials, have been excavated from the 19th century onwards, as listed in the table below.

    In several Viking ship burials from Norway and Sweden, including the Oseberg ship burial (dated to 834) and Gokstad ship burial (dated to the late 9th century), the deceased had been laid out on beds. However, true bed burials, in which the bed is buried directly in the ground are not known. [25] [26]

    List of site sources >>>


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